La profesora Marta Pérez Ibáñez habla sobre el mercado español del arte en el 1º congreso de TIAMSA en el Sotheby’s Institute de Londres

El mercado español del arte y la situación de nuestros artistas han estado presentes en Londres dentro del primer congreso de TIAMSA The International Art Market Studies Association, que se ha celebrado en el Sotheby’s Institute of Art de la capital británica entre los días 13 y 15 de Julio de 2017. Marta Pérez Ibáñez, profesora de mercado del arte en la Universidad Nebrija, miembro de TIAMSA y del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea de la Universidad Nebrija, ha aportado en su ponencia el punto de vista sobre el mercado español, a partir del estudio sobre La Actividad Económica de los/las Artistas en España del que la profesora Pérez Ibáñez es autora junto con Isidro López-Aparicio, de la Universidad de Granada. La presentación se ha centrado en la precariedad de nuestros artistas y los nuevos canales de difusión y de entrada en el mercado, así como en algunos detalles relevantes del citado estudio, en la actividad de los artistas independientes y en las ferias que proliferan en nuestro país y que abastecen a este grupo de artistas. El debate posterior mostró el interés del público asistente por la situación actual de nuestro mercado.

Bajo el título de The Art Fair, este primer congreso de la asociación ha tocado aspectos relevantes en la investigación sobre las ferias de arte, desde su componente histórico, los orígenes de las ferias en los Países Bajos en el siglo XVI, las grandes bienales como la de Venecia, la gran eclosión de ferias en mercados emergentes como el chino, o ferias alternativas en mercados tradicionales. Grandes profesionales como Olav Velthuis, Noah Horowitz, Sophie Raux, Jonathan Woolfson, Filip Vermeylen, Susanna Avery-Quash y muchos otros investigadores de todo el mundo han aportado datos de relevancia y debates abiertos sobre la dimensión de las ferias de arte en el desarrollo actual del mercado, sobre la adecuación de estos puntos de encuentro a las actuales circunstancias económicas, y su influencia en el nacimiento de tendencias artísticas. También la confluencia de ARCO Madrid y ARCO Lisboa ha sido tratada en profundidad en este congreso, en la ponencia de la profesora Adelaide Duarte, investigadora de la Universidade Nova de Lisboa.

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Alba Soto paticipa en el 1er Congreso de Arte de Acción en la UCM, con la ponencia “Herramientas de entrenamiento escénico para las Bellas Artes”

Accion Spring(t) se celebra los días 4 y 5 de Mayo, dos jornadas en las que se reúne a artistas, investigadores, profesores universitarios nacionales e internacionales de reconocido prestigio, así como a jóvenes artistas e investigadores, para crear un debate en torno al arte de acción y su relación con el mundo académico y profesional. En estas dos intensas jornadas tienen lugar actividades que aúnan la práctica y el pensamiento en la cuales convive la labor investigadora de doctorandos y doctorados que actualmente están trabajando sobre el tema, con las trayectorias ya consolidadas de artistas y docentes.

Este congreso es un punto de encuentro para compartir, idear y pensar en torno a la necesidad y el interés del arte de acción dentro de la facultad de Bellas Artes. Sin embargo, el campo de trabajo del arte de acción tiene múltiples implicaciones en la situación del arte actual dentro y fuera de la Universidad, y en ese sentido son amplios los puntos de vista más allá de las necesidades en el contexto de la Universidad, y en particular de la Facultad de Bellas Artes. Por ello  Acción Spring(t) reúne un amplio espectro de formas de pensar el lugar del cuerpo presente en el arte contemporáneo, diferentes metodologías de creación de la imagen desde la experiencia performática o propuestas de creación colectiva. La convivencia con la acción y su carácter multidireccional, convierten a la performance en objeto de estudio desde las bellas artes, pero también desde el teatro, la danza, la literatura o la música, y todos ellos tienen su espacio en este congreso.

Se llevan a cabo 4 mesas de debate se abordan los temas de “El arte de acción en la Facultad de Bellas Artes”; “Las Prácticas de la performance en la actualidad”, las Creaciones colectivas” y “La performance en los museos, instituciones y centros de creación”. Estas mesas se intercalan con otros cuatro bloques de Acciones que tienen lugar en diferentes espacios de la Facultad y muestran las múltiples formas de abordar la performance.

Acción Spring(t) es una carrera acelerada que nos revela la situación actual del arte de acción. Es un proyecto que trata de establecer las bases necesarias para la integración de los estudios y las prácticas del arte de acción y la performance en el seno de la Universidad y en concreto de los estudios de Bella Artes. Queremos que sea el comienzo de un encuentro de práctica y pensamiento que cada primavera se repita y que sirva para tender lazos interuniversitarios, que nos ayuden a responder a nuestra cuestión fundamental: ¿cuál es el lugar de la performance en las Facultades de Bellas Artes?

https://accionspringt.wordpress.com/

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Diálogo en torno a pedagogías afectivas, nuevos materialismos y feminismos. Beatriz Revelles-Benavente presenta el libro Teaching Gender

Recientemente ha salido a la venta el libro Teaching Gender: Feminist pedagogy and responsibility in Times of Crisis, publicado por Routledge y co-editado por las Dras. Beatriz Revelles-Benavente (actualmente investigadora Juan de la Cierva en la Universidad de Barcelona) y Ana M. González Ramos (investigadora senior en la Universitat Oberta de Cataluña).

Beatriz Revelles durante la presentación del libro Teaching Gender en la Universidad Antonio de Nebrija

 

En un formato de diálogo muy enriquecedor, Beatriz Revelles-Benavente nos ha presentado las claves de esta publicación y hemos podido intercambiar impresiones sobre las nuevas prácticas pedagógicas que los nuevos materialismos ofrecen actualmente en el ámbito de la docencia e investigación académica. Entre las posibilidades cabe señalar la emergencia de nuevas metodologías de aproximación a los procesos, los “pequeños” fenómenos, los contextos y por encima de todo las relaciones; algo que Revelles-Benavente afirma explorar a través de la metodología difractiva y la pedagogía afectiva. Entre las limitaciones se ha señalado el marco neoliberal que domina actualmente buena parte de la academia, pero también las dificultades de la puesta en práctica y obtención de financiación a la hora de desarrollar estructuras que transgreden el orden jerárquico establecido (como la del maestro-alumno). Las asistentes a la charla han tenido la oportunidad de intercambiar con Beatriz sus puntos de vista respecto al concepto de objetividad científica.

El libro, un compendio de diferentes estrategias de política feminista, ofrece una mirada interdisciplinar (algo totalmente imprescindible) sobre actos pedagógicos “respond-able” (Haraway, 2008), e incide en la necesidad de fortalecer la conexión entre generación de conocimiento y sociedad. “Slow Science”, sujetos knowmadas o prácticas cooperativas dentro y fuera de la clase constituyen algunas de las propuestas de acción que este volumen presenta.

Desde la línea 2 de investigación de este grupo queremos felicitar esta publicación y agradecer especialmente la visita y enriquecimiento que ha supuesto esta intra-acción.

 

 

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Presentación del libro ‘La Actividad Económica de los/las Artistas en España’ de la Fundación Antonio de Nebrija

La Fundación Antonio de Nebrija, en colaboración con la Universidad de Granada, han presentado el pasado 17 de Febrero en el Campus de Madrid-Princesa, el libro La Actividad Económica de los/las Artistas en España de los profesores Marta Pérez Ibáñez e Isidro López-Aparicio.

La necesidad de conocer cuál es la realidad de este sector ha llevado a los profesores Marta Pérez Ibáñez, de la Universidad Nebrija y miembro del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea, e Isidro López-Aparicio, de la Universidad de Granada, a desarrollar durante más de dos años una detallada investigación que permite profundizar en los aspectos más destacables de la economía de los artistas españoles y de su relación con el mercado, y específicamente de cómo han evolucionado dichas relaciones desde el inicio de la crisis de 2008. Se trata de un estudio crucial como punto de partida para conocer el presente y aventurar el futuro del artista dentro del contexto del sistema del arte en España. En él han participado más de 1.100 artistas españoles, convirtiéndose así en una importante fuente primaria de investigación que ofrece datos precisos sobre este sector.

Entre los datos más significativos, el estudio muestra que casi el 50% de los artistas encuestados declara percibir ingresos por debajo del salario mínimo interprofesional, y menos del 15% manifiesta que puede vivir solo del arte. Además, solo el 32% de los encuestados dice mantener relaciones estables con galerías y únicamente el 3% considera que son satisfactorias y su única fuente de ingresos.

Por otro lado, este trabajo permite identificar un perfil de artista joven, abierto a las nuevas tecnologías, con una forma de relacionarse con el mercado muy diferente a sus predecesores. Además, aporta datos en cuestiones de género, la trayectoria formativa de los artistas, el grado de precariedad de su economía, el grado de desempleo, etc. A partir de este estudio, la investigación continuará en diferentes ámbitos, y se ampliará en publicaciones posteriores sobre aspectos más pormenorizados de la actividad de nuestros artistas.

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La situación de los artistas en España, a debate en la Fundación Sandretto Re Rebaudengo

Un avance del Estudio sobre la Situación Económica de los/las Artistas en España se ha presentado el pasado sábado 5 de Noviembre en la Fundación Sandretto Re Rebaudengo de Turín. Dentro del programa de debates planteado en el marco de PIIGS, An Alternative Geography of Curating, la profesora de la Universidad Nebrija Marta Pérez Ibáñez , miembro del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea de la Universidad Nebrija, fue invitada a presentar algunos detalles de este amplio proyecto de investigación interuniversitario, del que es coautora junto al profesor Isidro López-Aparicio de la Universidad de Granada. El programa PIIGS, que ha planteado cinco propuestas curatoriales sobre la actual situación del sector de la creación en los cinco países europeos denominados bajo estas siglas, Portugal, Italia, Irlanda, España y Grecia, puso el énfasis en la necesidad de conocer tanto las dificultades por las que atraviesa el colectivo de los creadores en estos países, así como el nuevo perfil de artista que se abre camino en un sector que está dejando notar una evolución constante y profunda. Por ello, el avance de los resultados que el Estudio sobre la Situación Económica de los/las Artistas en España empieza a arrojar resultó muy esclarecedor, ya que posibilitó no sólo un debate abierto con artistas y comisarios internacionales, sino una interesante comparación con la situación de los artistas en otros países europeos y con las dificultades y oportunidades que están encontrando en los últimos años en el desempeño de sus carreras.

El equipo curatorial español, compuesto por Ione Alaitz, Carles Saurí, Sofía Fernández, Álvaro Giménez y Alejandro Castañeda, presentó un proyecto titulado “Check the condition. A real-time archive on the emergent curatorial open calls in Spain”, en el que se ponía de manifiesto que la precariedad que afecta a los artistas llega también al sector comisarial. Así, el debate se enriqueció con el diálogo sobre la lucha de jóvenes artistas y jóvenes comisarios por abrirse camino en el panorama actual. El avance de resultados que, coincidiendo con la Semana del Arte en Turín, presentó la profesora Pérez Ibáñez sobre el proyecto de investigación sobre la economía de los artistas en España, que será publicado en breve, sirvió de marco de fondo para dicho debate, y aportó la necesaria internacionalización a tan profundo análisis de nuestra situación actual, en el marco de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo.

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Nebrija participa en un estudio sobre la actividad económica de los/las artistas en España

Un equipo de investigadores en mercado del arte de la Universidad Nebrija y la Universidad de Granada está trabajando en el Estudio sobre la Actividad Económica de los/las Artistas en España. Se trata de un proyecto de investigación interuniversitario que pretende analizar la actual situación económica de los/las artistas plásticos y visuales de nuestro país.

Marta Pérez Ibáñez, profesora del Máster en Mercado del Arte de la Universidad Nebrija y miembro del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea, participa en este estudio. El trabajo parte de la difícil situación actual por la que los distintos actores del mercado y del sistema del arte están pasando, de la precariedad del trabajo del artista y de su necesidad de adaptarse a las nuevas condiciones que plantea el mercado en esta situación de crisis. Los cambios se aprecian de forma evidente, no sólo en los ingresos por la actividad artística, sino en todas las relaciones que el artista establece con galeristas, comisarios, instituciones, coleccionistas. Además, está surgiendo un perfil de artista joven, muy abierto a las nuevas tecnologías, cuya forma de relacionarse con el mercado en estos últimos años es muy diferente. Por ello, este estudio pretende conocer a fondo cuál es la situación del artista actualmente, cómo está sufriendo la crisis, cómo está apoyando con su trabajo las estructuras del sistema.

Para obtener la información que permita evaluar dicha situación, los investigadores han creado una encuesta anónima y abierta a todos los artistas españoles, que se mantendrá activa durante todo el verano de 2016:

https://docs.google.com/forms/d/13LTM9HRpH04K2rR0KYQyuxhlGpFsQCcg7r1ccCf5WQU/formResponse

La evaluación de los resultados que aporte esta encuesta permitirán arrojar luz sobre los problemas por los que atraviesa el artista y contribuir a mejorar la situación del artista en España como motor del sistema del arte.

 

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Los retos de la investigación doctoral. Diana Angoso en el Seminario de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid

24 y 25 de mayo 2016, Salón de Actos de la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid.

Intervienen: Prof. Estrella de Diego, Dr. Manuel Viera, Prof. Carmen Bernárdez, Prof. Javier Arnaldo y Dra. Diana Angoso el día 24 .

Los próximos días 24 y 25 de mayo tendrán lugar unas jornadas dedicadas a la investigación en el seminario de doctorado de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En dichas sesiones invitan a los doctores que han defendido las mejores tesis para participar junto a sus directores en una exposición y coloquio sobre los retos de la investigación doctoral.

Diana Angoso participará con una presentación sobre su tesis doctoral “El oro: Sustancia y significado. Usos del material áurico en las prácticas artísticas contemporáneas (1953-2013)” [24.05.2016 a las 18:00]

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Juguetes y juegos de Lina Bo Bardi en Medialab Prado

13-25 May 2016, Medialab Prado.

With speakers: Juan Bordes, Sara San Gregorio, Virginia Navarro and Mara Sánchez.

Desde el próximo jueves 19.05 hasta el sábado 21.05 se desarrollarán unas jornadas sobre diseño, fabricación y experimentación de juegos y juguetes de construcción. Conferencias, dinámicas de experimentación con juguetes creados bajo licencias libres, debates y talleres familiares, intercambiaremos experiencias lúdicas y educativas con público infantil, educadores, diseñadores, psicólogos y con cualquier persona interesada en asistir y participar.

Mara Sánchez Llorens participará con la conferencia “Juguetes y juegos de Lina Bo Bardi ” (19.05.2016  a las 13:00 horas)

CARTELGRANDE

 

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From Cosmos to Genes: New Materialist Methodologies Crossing the Humanities, Natural, and Technosciences

Training School ‘From Cosmos to Genes: New Materialist Methodologies Crossing the Humanities, Natural, and Technosciences.’ 

23-26 August 2016, Charles University Prague.

With speakers: Natasha Myers, Astrid Schrader and Eva Hayward

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With significant movements in human populations, the emerging impacts of climate change, ecological, political, and economic changes and instabilities through to technological and scientific advances, there is an urgent need to reconsider the shifting dynamics influencing critical inquiry. The question arises of how we might best approach the crises and challenges that shape the contemporary European landscape. How do they take the focus of, and impact upon, our research and development agendas?

Still an emerging field of analysis, new materialism has had a swift and significant influence within European intellectual production. Specifically, in its way of rethinking the priority of the human in inquiry and social and political change, new materialism offers tools for examining the agency of nonhuman matter in intra-action with human practices. It gives us room to consider the complex apparatuses and relations that motivate, constitute, and are enacted through our research practices. In doing so, it draws attention to the necessarily interdisciplinary nature of contemporary investigations, research and development as well as our role within these.

In this vein, the Working Group 2, ‘New Materialisms on the Crossroads of the Human and Natural Sciences’, of the COST IS1307 Action, ‘New Materialism: Networking European Scholarship on “How Matter Comes to Matter”’, invites graduate students, postdoctoral, and early career researchers whose work corresponds with, or who have an interest in the potential for new materialisms to inform their inquiries, to the upcoming training school ‘From Cosmos to Genes: New Materialist Methodologies Crossing the Humanities, Natural, and Technosciences.’

The training school will take place over three and a half days, with sessions conducted by a cast of international researchers whose work focuses in new materialist theories and methodologies, or whose specialization within the humanities through to STEM fields brings interdisciplinary queries and provocations to the fore.

 

 

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Arte, ciencia y tecnología: ¿la nueva política económica?

08.12.2015 –

Durante un coloquio entre destacados especialistas europeos sobre arte, ciencia y tecnología organizado recientemente en LABoral (Gijón) con motivo de la inauguración de la exposición “Materia prima” comisariada por él mismo, Gerfried Stocker -director de Ars Electronica– comentó que los artistas new media podían convertirse de alguna manera en los nuevos “McKinsey boys” del siglo XXI para las grandes empresas.

 

Con tan sorprendente idea -al menos para un debate sobre creación artística- Stocker intentaba simplemente reflejar la realidad que en su organización -una de las instituciones de más prestigio en el mundo en el campo del arte y la tecnologia- está viviendo en los últimos años: la constatación de que en el ámbito de las grandes corporaciones existe una demanda creciente de nuevas formas creativas de pensar, abordar proyectos y solucionar problemas para adaptarse al exigente escenario de la economía y la sociedad de la era digital.

Gerfried Stocker intervencion en LABoral

 

Una demanda que puede ser satisfecha mucho mejor por los artistas familiarizados con los nuevos medios digitales que por los tradicionales consultores de estrategia empresarial con sus hojas de cálculo y sus matrices. No era, por lo demás, un brindis al sol al calor del debate, sino una realidad confirmada: Ars Electronica, a través de su centro de experimentación Futurelab, trabaja en estos momentos para algunas de las más importantes firmas de la poderosa industria alemana.

Es un terreno ciertamente resbaladizo. Si hablamos de arte, su misión esencial no puede ser otra que la de crear nuevo conocimiento y experiencias sobre el mundo que nos rodea desde una sensibilidad que no es evidente para el conjunto de la sociedad. El artista se hace preguntas distintas a las de los técnicos; y da respuestas radicalmente diferentes. Siempre desde la independencia de su inspiración creativa y su capacidad para detectar anticipadamente las vibraciones ocultas que inquietan al ser humano y anuncian el cambio social.

Esa capacidad exploratoria del arte se ha demostrado de una utilidad especial a partir de la revolución tecnológica iniciada en el siglo anterior. Ya hace varias décadas desde que lo señalara Marshall McLuhan: “El artista capta el mensaje del desafío cultural y tecnológico varias décadas antes de que llegue su impacto transformador”. En un mundo abrumado por el poder omnímodo de la ciencia y la tecnología, el arte se reivindica como un mecanismo de autodefensa social para entender, discutir y contraprogramar (hackear) ese poder. Al menos para ayudarnos a que nos hagamos a tiempo como sociedad las preguntas oportunas.

En principio, eso no debería ser obstáculo -como de hecho no lo ha sido- para que numerosos artistas hayan demostrado un inspirador interés por el conocimiento y la apropiación de las nuevas tecnologías. Esa atención se ha convertido en muchos casos en una fructífera labor de investigación y desarrollo sobre las tecnologías empleadas para sus creaciones. Hace pocos días, durante la presentación en el Centro de Arte y Tecnología Etopia de su obra “Pop Connection” -desarrollada durante una residencia conjunta con la coreógrafa francesa Sylvie Balestra-, el artista e ingeniero donostiarra Jaime de los Ríos afirmaba con rotundidad que la tecnología empleada por los artistas del new media -del que él es un referente en España- es, gracias al trabajo de I+D de los creadores, mucho más avanzada que la que posteriormente se comercializa por las empresas.

En el caso de la ciencia, se produce igualmente una enorme atracción de los artistas hacia las nuevas fronteras de la investigación científica, desde la astrofísica hasta la biología. Y en un momento en que la ciencia avanza de forma imparable a través de la genética, la neurociencia y otras disciplinas hacia una capacidad nunca antes obtenida para cambiar las características del ser humano como lo hemos conocido hasta ahora, parecería especialmente adecuado apoyar que los artistas estén al tanto de lo que ocurre en esos laboratorios antes de que sea tarde.

Por otro lado, la separación entre ciencia y arte como formas distintas de obtención de conocimiento no dejar de ser históricamente reciente. Quizás sea el momento de pensar en una nueva convergencia, llamémosla tercera cultura o de cualquier otra forma. Porque está claro que los desafíos que afronta hoy el mundo respecto a los cambios que la ciencia y la tecnología están produciendo en nuestras vidas (naturaleza, economía, vida social, identidad personal) no parece que puedan ser abordados debidamente por un único grupo de expertos.

Arte como nueva forma de conocimiento; arte como un nuevo stakeholder ciudadano del I+D; arte como fuente inagotable de inspiración para formas diferentes de pensar. Y arte también como un sustrato imprescindible para crear ecosistemas culturales de innovación que pudieran ayudar a desarrollar economías capaces de generar riqueza y oportunidades para el conjunto de la sociedad.

Incluso se podría hablar de un verdadero nuevo sector productivo en la confluencia de la tecnología, la innovación, la creatividad y el diseño, tal como lo describió ya hace más de una década William J. Mitchell en el informe que realizó para la Academia de Ciencias de Estados Unidos y cuyo título hablaba por sí solo: Beyond productivity (Más allá de la productividad)

En todo caso, no son pocos los ejemplos en la historia donde la expansión cultural y artística precede a la potencia económica. El comisario y periodista cultural José Luis de Vicente lo explica de forma documentada y convincente a propósito del hilo conductor entre la revolución contracultural de los cincuenta y sesenta del siglo XX en Estados Unidos y el posterior desarrollo de Silicon Valley como epicentro hegemónico mundial de la nueva industria tecnológica. La creatividad abre el camino a la innovación.

Por tentador que resulte, no hay que hacerse ilusiones: nadie nos hablará en estos tiempos electorales del papel potencial de la cultura y del arte como el catalizador que España lleva buscando tanto tiempo para convertirse en una economía innovadora y poder escapar así a ese destino al parecer inevitable de ser para siempre un país de camareros y de universitarios expatriados.

Entre tanto, quizás sería conveniente continuar la discusión. Porque, como el propio Gerfried Stocker se plantea, si hoy es imprescindible entender de manera diferente el papel del artista y las instituciones culturales, así como su relación con el público, en este tiempo de convergencia de arte, ciencia y tecnología, “¿cómo se puede cambiar esto sin poner en riesgo la independencia y la integridad del proceso artístico?”.

Para prolongar y extender la conversación, un grupo de instituciones culturales y de promoción de la cultura de la ciencia y la tecnología -entre las que se encuentran la Fundación Zaragoza Ciudad del Conocimiento y el Centro de Arte y Tecnología Etopia- han creado la Red Europea de Arte Digital y Ciencia, con el apoyo del programa Europa Creativa de la UE y la colaboración de instituciones científicas tan relevantes como el CERN y el European Southern Observatory.

 

 

 

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“El materialismo formal de Deleuze o el arte de lo material”, según la filósofa Lourdes Flamarique

Lourdes Flamarique, filósofa y profesora titular de la Universidad de Navarra, ha ocupado la tercera sesión del III Seminario de Teoría del Arte “Nuevos materialismos y otras perspectivas teóricas afines” el pasado viernes 15 de abril en el Campus de la Dehesa de la Villa.

Especializada en las corrientes actuales de la filosofía, Flamarique es  autora de ensayos como El arte como hermenéutica de sí mismo. Sobre la modernidad del arte, entre otras muchas publicaciones,  y editora de  Las raíces de la ética y el diálogo interdisciplinar.

Su charla sobre “El materialismo formal de Deleuze o el arte de lo material”, la filosofa  se centró en el último libro de Gilles Deleuze y Félix Guattari ¿Qué es la filosofía?, exponiendo el pensamiento de Deleuze y su planteamiento epistemológico en relación con el arte.  Dicha sesión finalizó con un debate entre los asistentes y la filósofa.

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Engineering Life

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Mon, Apr 25 at 6:30pm – 9pm.

Lights of Soho. 35 Brewer Street. City of London, United Kingdom

 

Life is being altered and designed by artists, scientists and technologists. Through applying engineering principles to living systems, biology has become a new material for creativity. But these practices and manipulations now challenge our understanding of life and what it means to be alive.

There are various ways in which life is being engineered: Techniques such as tissue culture allows for the growth of cells and organism in an artificial environments. Meanwhile synthetic biology allows for designers to programme material, creating new organisms that might be used for radical purposes such as in architecture, conducting electricity or emitting light. In addition, platforms such as CRISPR/Cas9 provide an increasingly inexpensive and versatile way to make changes to the genome.

Many of these biotechnologies have captured the imagination of the public and have led to assertions that we might soon be able to build or grow replacement organs. As such new new emphasis has been placed on definitions of ‘life’ that emerges through the lens of science. Which requires us to questions what might be done to life through the use of these new technologies.

What does it mean to be able to build with life? What are the philosophical and ethical issues that arise from these new approaches? What boundaries are crossed between science and design when we engage with these forms of manipulation? What are the implications of presenting living-art in this context? Where are the new boundaries between life and non-life? How are these technologies changing our understanding what it means to be alive and living?

This panel discussion will explore who gets to use life as material and to what end.

(más…)

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Unlock Hause: un proyecto de comisariado de Alba Soto y Pia Cruzalegui en Chicago

Alba Soto inaugura un proyecto de comisariado en Chicago junto con la artista Pia Cruzalegui:  http://unlockhause.com

Unlock Hause surge de la necesidad de un nuevo espacio expositivo, versátil e independiente en el barrio de Bridgeport de Chicago. Con el fin de invitar a artistas residentes y exhibir proyectos mensuales bajo convocatoria, diseñados a partir de ciertas pautas determinadas.

Unlock Hause pretende realzar lo cotidiano para tranformarlo en un lugar de creación, innovación y experimentación, haciendo hicapié en propuestas que se relacionen con los medios audiovisuales y la performance.

Este proyecto está engendrado como un nuevo reto para desarrollar y potenciar nuestro papel como artistas, curadoras y educadoras, creando comunidad y abriendo vínculos con otros artistas y personas relacionadas, que estén interesados en nuevos modos de hacer y pensar el arte.

“Nuestra intención cada día de exposición será, gracias a las diferentes colaboraciones, jugar con la variabilidad imaginando diferentes atmósferas y posibilidades”.

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Mara Sánchez recibe el premio de la X Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo en la categoría de libros

Mara Sánchez LlorensMara Sánchez, coordinadora de la línea 4 del grupo ETCC y profesora en el Máster Universitario en Mercado del Arte y Gestión de Empresas Relacionadas de la Universidad Nebrija, ha recibido el premio de la X Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo en la categoría de libros por su reciente publicación Lina Bo Bardi. Objetos y acciones colectivas. Dicha Bienal está organizada por el Ministerio de Fomento del Gobierno de España, junto a otras Instituciones.

Según expone la profesora, este texto es fruto de un viaje a través de la obra de la arquitecta italo-brasileña Lina Bo Bardi (1914-1992) y los lugares que ella amó en Brasil.

“Como observadora entusiasmada que acerca su mirada a Lina Bo Bardi, interesada por lo que ella vio y vivió; les invito a considerar este nuevo punto de vista, en el que los objetos, las acciones colectivas y la arquitectura se entremezclan y se revelan como una obra abierta y libre”, explica la profesora en su libro.

Más información en la Web de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo: http://www.bienalesdearquitectura.es/index.php/es/noticia-biau/35-noticias-biau/6513-resultados-de-la-x-bienal-iberoamericana-de-arquitectura-y-urbanismo

 

 

 

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“Collision, Collaboration and the Future of Artsci”. Tercer congreso internacional ISAT

Lugar: National Cheng Kung University, Taiwan
Fechas: 14-17 de noviembre de 2016

Principles for the Development of a Complete Mind: Study the science of art. Study the art of science. Develop your senses – especially learn how to see. Realize that everything connects to everything else.’

                                                                                                                  Leonardo da Vinci (1452 – 1519)

Art and science, commonly seen as two different parallel disciplines, are gradually emerging into one world and possibilities. In 1959, Snow described science and humanities as ‘The Two Cultures’, and this has prompted many disputes and much debate about whether there is a significant gap between art and science. In 1987, theoretical physicist David Bohm also highlighted the importance of creativity and communication in science and humanities. In The Third Culture (1995), John Brockman proposes the concept of a mediating third culture in which scientists use literary language to convey their thoughts. In Art + Science Now (2013), Wilson collects and introduces a diverse range of work and projects in which there is an intersection between art and science, ranging from digital media to life sciences. Furthermore, in Colliding Worlds (2014) Miller also suggests that an exciting new art movement has recently emerged in which artists utilize and highlight the latest advances in science.

In recent years, many galleries, festivals, university programs, publications, websites and funding schemes have emerged to support the intersection and interaction of art and science. This new form of art practice is challenging the traditional methods of viewing art. The term for this new form of art is now understood as ‘artsci’, a hybridization of art and science. Artsci enriches the public image of science and serves as a new communication tool with which to engage the general public and help them to understand and question scientific research and contemporary art practice.

This conference aims to articulate a vision for creativity and science, and what we would envision for the future of Artsci. Undoubtedly, the division between art and science has collapsed and the two have collided, such that they are actually now merging and collaborating. The idea for the conference was established by the newly-formed program of Techno Art at National Cheng Kung University (NCKU) in Taiwan. It also acts as the 3rd International Symposium on Art & Technology (ISAT) for the Taiwan Art & Technology Association (ATATW). Furthermore, Collision, Collaboration and the Future of Artsci is the first international conference of the biennial conference series on art and technology organized by Techno Art at NCKU.

The collisions and collaborations in art, science and technology could stem from all possibilities and imaginings, which may not be definable and lack any finite dimensions. This conference focuses on the interchange of creativity and innovation with the aim to explore what is new, to share ideas, to shape future collaboration, and to promote excellence in outstanding research and practice.

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III Seminario de Estética y Teoría de las Artes

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El III Seminario de Estética y Teoría de las artes dará comienzo el próximo viernes 4 de marzo de 2016

Fechas:

  • Viernes, 4 de marzo
  • Viernes 1 de abril
  • Viernes 15 de abril
  • Viernes 6 de mayo
  • Viernes 20 de mayo

Hora: 15:30-17:00

Lugar: Aula 207 y 104

El área de Bellas Artes de la Escuela Politécnica Superior y Escuela de Arquitectura presenta el III Seminario de Estética y Teoría del Arte “Nuevos Materialismos y otras aproximaciones teóricas afines II”. El seminario comenzará el próximo 4 de marzo y se desarrollará hasta el mes de junio en las aulas 207 y 104 del Campus de la Dehesa de la Villa.

El próximo viernes 4 de marzo a las 15:30h Diana Angoso, coordinadora de este seminario además de Doctora en Historia del Arte Contemporáneo por la Universidad Complutense de Madrid y profesora de la Universidad de Nebrija, da por inaugurado el seminario con la presentación “Hacia una ecología política de las cosas. El continuum naturaleza-cultura en Jane Bennet“.

El 1 de abril a la misma hora, tendrá lugar la segunda sesión: “El neo-materialismo nómada de Rosi Braidotti. Del feminismo disonante a la condición posthumana”, presentada por Emilio López-Galiacho, doctor en Arquitectura por la Universidad Politécnica de Madrid y profesor de la Universidad Nebrija.

El día 15 de abril, Lourdes Flamarique, filósofa y profesora de la Universidad de Navarra,   plantea “El materialismo formal de Deleuze o el arte de lo material” .

Kika Beneyto, directora del área de Bellas Artes y profesora de la Universidad Nebrija, doctora en Bellas Artes e investigadora, presenta la cuarta ponencia “El rastro de la memoria. Una revisión del concepto de huella a partir de Didi-Huberman” el día 6 de mayo.

La quinta sesión tendrá lugar el 20 de mayo, por la profesora Esther Moñivas,  Doctora en Historia del Arte Contemporáneo por la Universidad Complutense de Madrid y Diplomada en Conservación y Restauración de Bienes Culturales por la ESCRBC de Madrid. Esther Moñivas hablará de “Ética del conocimeinto y realismo agencial en la onto-epistemología de Karen Barad”.
La directora del Máster de Mercado de Arte, Doctora en Historia del Arte por la Universidad San Pablo-CEU y profesora de estética en Universidad Nebrija, Nieves Acedo, cerrará este seminario el viernes 10 de junio a las 15:30h con su contribución “Naturaleza y Cultura en el pensamiento de Bruno Latour ”.

Para más información: Diana Angoso dangoso@nebrija.es

 

 

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Cyclical Tales: Videoinstalación performance de Alba Soto en el ZhouB Art Center de Chicago

Alba Soto presenta una videoinstalación performance en el ZhouB Art Center de Chicago, comisariada por K!NET¡C PROJECTS: https://kineticprojects.wordpress.com/

Esta instalación está compuesta por seis películas que narran sensaciones provenientes de la ansiedad consciente; diferentes elementos interactúan en bucle sobre mi cuerpo a modo de mantra. La instalación recrea un ambiente cotidiano pero inhóspito al mismo tiempo, recordando este estado de ánimo con el que convivimos pero que no nos pertenece.

La performance duracional que acompaña la instalación, expone la añoranza y los miedos sociales que genera mi nueva edad. Éstos miedos, provocadores de ansiedad, anteceden un futuro aún por descubrir en relación al papel que debería tener a mis 35 años como mujer y como artista.

 

“Las manzanas con las que interactúo me confrontan con la feminidad y a través de ellas viajo por diferentes universos imaginarios e improvisados. El viaje despierta diferentes estados de ánimo provocados por las connotaciones narrativas y simbólicas de la manzanas, por el encuentro sensorial con las mismas, por el movimiento por el espacio y por la presencia e interacción con el espectador. Durante la acción y gracias a estos elementos se van generando imágenes repetitivas que nos conectan con arquetipos femeninos provenientes de la mitología, la literatura y el cine”.

 

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Alba Soto formará parte de Amplified Art Network

Alba Soto ha sido invitada a formar parte de Amplified Art Network, un grupo organizado de profesionales del arte de todo el mundo. El objetivo número uno de esta red internacional es crear comunidad artística, compartiendo proyectos y brindando información, ideas, recursos, iniciativas empresariales,  marketing y facilitar intercambios y colaboraciones internacionales.

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Test-indagación: Propuesta metodológica. Comunicación CICREART VIRTUAL 2015

 

Comunicación audiovisual presentada por la Dra. Laura de Miguel Álvarez para el II Congreso Internacional de Investigación y Docencia en la Creatividad. Este congreso está destinado a docentes de educación superior y niveles no universitarios, profesionales, artistas y estudiantes interesados en la investigación y docencia de la creatividad.

 

 

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