El COVID-19 no detiene la investigación artística_

Alba Soto y su grupo Verborrea Espacial y Mrs Pausa se suman al `Coronavirus Interband Ensemble´

Alba Soto, dentro de su faceta de investigación musical, se ha sumado con su grupo Verborrea Espacial a la propuesta de Calde Ramirez y Antonio Perez Bohorquez para participar en un proyecto colectivo bajo el nombre’ Coronavirus interband Ensemble´. En su caso han empleado el poema LI titulado My friend must be a bird (‘ Mi amado ha de ser un ave’ ) de Emily Dickinson, perteneciente al tercer libro `Love´ de sus Obras Completas. En sus palabras:

Hemos escogido un poema de Emily Dickinson, que pasó gran parte de su vida recluida en casa, para reivindicar que solo hay que afinar la mirada para encontrar belleza en lo cotidiano.
Disfrutad del confinamiento. 😉»
https://drive.google.com/open?id=1cvV2dY-pH9PS1J2yuaPwMfD5FRcIwpa0
En la base sonora han participado: Perlita+Congo Mondongo+Jose Reworked+Pepa de la isla
#coronavirusinterbandensemble
El proyecto completo se puede disfrutar en este enlace:  https://drive.google.com/drive/folders/1rb_pT5u-LDPwT1Yg0nyUg4giiRlgz4Oj?fbclid=IwAR0FFY_t_zLXJg6zgJu4f21qugZwoY7_DpSPpA0s2ncchfSYl2D23jHTBJM

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Elisa Hernando_Redcollectors

De la investigación de tendencias de mercado

al emprendimiento online

Elisa Hernando, investigadora del grupo ETCC y profesora en el Máster de Mercado del Arte y Empresas relacionadas introdujo el año pasado una nueva empresa de asesoría de coleccionismo online llamada Redcollectors. Ha lanzado entre sus primeros productos el Pack Art Tube, que permite ofrecer como regalo esa asesoría.

Esto supone una puesta en práctica de innovación empresarial de sus investigaciones sobre el mercado del arte y el coleccionismo.

https://www.revistainteriores.es/redcollectors-arte-elisa-hernando_41340_102.html

Emprendimiento_Vogue

https://static1.squarespace.com/static/5de642093fbbc6593af4c7f5/t/5e283331218a5a44273d7cc5/1579695481014/Vogue+Emprendendoras.pdf
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Sara Quintero_ Justmad 2020

La Galería Casa Amarilla de Zaragoza lleva a Justmad 2020 la serie Perturbados por los Escombros de Sara Quintero

Entre el 27 de febrero y el 1 de marzo de 2020 se pudieron ver tres obras de la investigadora de ETCC y profesora de Nebrija Sara Quintero Pomares pertenecientes a su serie Perturbados por los Escombros. La galería zaragozana La Casa Amarilla dirigida por Chus Tudelilla llevó a esta feria esta serie artística que interviene grabados que representan objetos de decoración de estilo barroco y rococó. Estos estilos artísticos extreman el decorativismo en los interiores, que ven, sin embargo, interrumpido su plácido esplendor por la irrupción de montañas de escombros. Éstos son, a su vez, alegoría de la ruina de la propia civilización ilustrada que produjo los primeros.

http://galerialacasamarilla.com/wp-content/uploads/2020/02/dosier.pdf
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Dovelas desde el exilio para [..]una historiografía del arte española

Presentación pública de El ensayo del exilio republicano de 1939

El pasado 27 de febrero de 2020 se presentó en la Librería Pasajes de Madrid al público la edición de los dos volúmenes de El ensayo del exilio republicano de 1939 dentro de la colección Biblioteca del Exilio de la Editorial Renacimiento de Sevilla. Esta obra colectiva es uno de los muchos resultados del proyecto I+D «La historia de la literatura española yel exilio republicano de 1939» (FFI2013-42431-P) del grupo GEXEL de la Universidad Autónoma de Barcelona en el que ha colaborado Amelia Meléndez Táboas, Investigadora Principal del Grupo ETCC de la Universidad Nebrija ocupándose del análisis de los ensayos de arte. El título elegido para describir su aportación fue ‘Dovelas desde el exilio para la construcción de una historiografía del arte española’ por cuanto el acervo de obras analizadas suponen ejemplos de metodologías historiográficas no holladas en la historiografía realizada coetáneamente en suelo patrio que por integración la enriquecerían hasta constituir un corpus de notable altura.

La presentación contó con la presencia del editor, el coordinador de ambos volúmenes Mario Martín Gijón, el investigador del CSIC Antolín Sánchez Cuervo en representación del ensayo filosófico y el ahora profesor de la Universidad Complutense Juan Andrade que explicó el ensayo político.

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‘Baubo y el Espejo’_Performance

Alba Soto y Marina Grau_ Primer resultado del Programa Aglaya

El pasado 29 de febrero de 2020 a las 12h, en el Centro Zapadores Ciudad del Arte al Norte de Madrid, Alba Soto presentó junto a otra performer (Marina Grau) la investigación en proceso sobre Baubo, divinidad que devuelve por medio de la risa las ganas de vivir a Démeter cuando ésta se hallaba triste y sin noticias de su desaparecida hija Perséfone.

Alba Soto la introduce así:

“Baubo y el espejo” Investigamos sobre el mito de Deméter. Buscamos a Baubo, Quién es? Qué es? Jugamos con las posibilidades y sensaciones que nos provoca hacer el anasyrma. Somos espejo; espantamos nuestros diablos y aflojamos. La cueva, el otro lado del cuerpo, la risa. @albasotoart y @magraua Performance realizada en  http://zapadores.org/

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Lucía Loren en ACVic

EN EL NOMBRE DE LA MADRE, EN EL NOMBRE DE LA TIERRA. 24.01.2020- 25.04.2020

https://vimeo.com/391464359?fbclid=IwAR1q7BJa8LW0ysTcepKjaO-IW3bEZafkWgS-s7zb5BNmFNGFc69d8B-o2vQ
EN EL NOM DE LA MARE,
EN EL NOM DE LA TERRA


En el Nom de la Mare, en el Nom de la Terra es una muestra comisariada por Assumpta Bassas Vila que reune la obra de Lucía Loren, Eulàlia Valldosera, Isabel Banal, Raquel Friera, Olga Olivera Tabeni, Irene Pérez y Carmen Sanglas en ACVIC, Centre de Arts Contemporànies de Vic, Barcelona hasta el 25 de abril de 2020. Las siete artistas presentan otras siete propuestas que suponen un canto a la cultura de la vida, proponiendo al arte como un imaginario simbólico que pueda orientar en tiempos de confusión. La muestra pretende ser un ensayo de una exhición más amplia acerca de la sabiduría acumulada de las experiencias de vida y prácticas artísticas de mujeres del presente y del pasado.

https://www.acvic.org/es/proyectos-expositivos/3007-en-el-nombre-de-la-madre,-en-el-nombre-de-la-tierra
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ETCC participa en AGLAYA, Estrategias de Innovación en Mitocrítica Cultural.

Programa I+D en CCSS y Humanidades 2019. Comunidad de Madrid

PROGRAMA I+D EN CCSS Y HUMANIDADES 2019 COMUNIDAD DE MADRID

PROGRAMA AGLAYA-­CM REF.: H2019/HUM­5714

Estrategias de Innovación en Mitocrítica Cultural

Grupos participantes:

ACIS (Universidad Complutense de Madrid / Facultad de Filología)

CIL II (Universidad de Alcalá / Facultad de Filosofía y Letras)

ERC (Universidad Complutense de Madrid / Facultad de Filología)

ETCC (Universidad Antonio de Nebrija / Facultad de Comunicación y Artes)

ÉTICAS GRIEGAS(Universidad Autónoma de Madrid / Facultad de Filosofía y Letras)

GIECO (Universidad de Alcalá / Centro de estudios norteamericanos ­ Instituto Franklin)

HHR (Universidad Carlos III de Madrid / Instituto de Historiografía)

IAI (Universidad Francisco de Vitoria / Facultad de Ciencias de la Comunicación)

INTERCOM (Universidad Complutense de Madrid / Facultad de Ciencias de la Información) INTRA (Universidad Pontificia Comillas de Madrid / Facultad de Ciencias Humanas y Sociales) POETICS (Universidad Complutense de Madrid / Facultad de Filología)

RECEPTION (Universidad de Alcalá / Facultad de Filosofía y Letras)

SIIM (Universidad Complutense de Madrid / Facultad de Filología)

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Fuego/Hueco/Sombra/Aire

Exposición de Lucía Loren y Sara Quintero (con Esther Pizarro y Olimpia Velasco) Casal Son Tugores, Alaró (Mallorca).
22. febrero-31 marzo de 2020

La reflexión para reconciliar civilización y naturaleza es el eje temático de la muestra.


Lucía Loren reivindica con “El Bosque Hueco” los valores culturales y estéticos valores de un paisaje vivo. Emplenado un audiovisual y una serie de intervenciones erige al árbol en protagonista del paisaje y su memoria al completar el hueco de un fresno y cuatro robles centenarios con ramas recogidas del entorno. La instalación “Mesa Nuclear”, reflexiona sobre el impacto de las centrales nucleares sobre el Ebro, la cadena trófica, nuestra alimentación y salud planteando alternativos al uso de la energía nuclear.

“Falso paisaje” de Sara Quintero, plantea una naturaleza tal y como se representaba la de lugares remotos en dioramas de antiguos museos. El espectador queda atrapado entre lo irreal y ficticio. Se hace hincapié en la artificialidad de estos paisajes.

«Oscuras atmósferas, nebulosas, luces espectrales…» presentan escenarios en sombras entre la pesadilla y el drama. La pintura como la propia naturaleza enfrentada a su carácter efímero. 

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Lucía Loren participa en TERRITORIOS QUE IMPORTAN. CDAN, Huesca. 18 de octubre 2018- 20 de enero 2019

Lucía Loren (Madrid, 1973) es miembro del Grupo Estudios Transversales de Creación Contemporánea desde el pasado curso. Forma parte de la actual

Línea 1. Observatorio de Procesos artísticos contemporáneos de aplicación a la Docencia en Artes.

Procesos artísticos contemporáneos de compromiso social inclusivo a través de la exploración antropológica del territorio entendido como herramienta artística y docente mediante dibujo, fotografía, vídeo, escultura, grabado, instalación e intervención en paisaje o espacio público, performance e interpretación de voz y canto. Historia de las artes escénicas y de la fotografía española. Imbricación Arte, estética y vida en sus relaciones de intercambio, memoria, imaginario, identidad y género.

 

Lucía Loren, estos meses, dentro de su actividad expositiva incesante, está participando en la muestra Territorios que importan del Centro de Arte y Naturaleza. Fundación Beulas de Huesca que se inauguró el pasado 18 de obtubre de 2018 y estará abierta hasta el 20 de enero de 2019. Es una muestra muy ambiciosa, comisariada por Patricia Mayayo, que cuenta con 60 artistas de primer nivel para recoger por primera vez en 9 secciones (Cartografías del Género, Madre Naturaleza, Brujxs y Chamanxs, Historia cultural, Ecofeminismos, Elementos, alimentos, Trabajo, Violencia y Territorio y Ecologías queer) las relaciones entre naturaleza, arte contemporáneo y cuestiones de género. En concreto, Lucía participa con la pieza Madre sal (2008), una intervención que en su día formó parte de una convocatoria del Parque de Esculturas Lomos de Orio de Villoslada de Cameros en La Rioja titulada «El Busto es Mío». La escultura representa bustos tallados en sal que representan a la Terra Mater _de ahí que esté situada en la segunda sección_ que los herbíboros al lamerlos devuelven en forma de materia orgánica a la tierra que les proporcionó ese alimento en un ciclo ininterrumpido de la vida.

 

Lucía Loren además ha realizado recientemente con alumnos del Grado de Bellas Artes de Nebrija una residencia artística en el parque de esculturas La NaveVa de Berrocalejo en Cáceres:

Residencia artística Surco: Universidad Nebrija y LaNaveVa

https://www.instagram.com/surco_proyectoarte/

http://lucialoren.com/

http://www.cdan.es/wp-content/uploads/2018/10/CDAN-hoja-sala-TERRITORIOS.pdf

La profesora Marta Pérez Ibáñez habla sobre el mercado español del arte en el 1º congreso de TIAMSA en el Sotheby’s Institute de Londres

El mercado español del arte y la situación de nuestros artistas han estado presentes en Londres dentro del primer congreso de TIAMSA The International Art Market Studies Association, que se ha celebrado en el Sotheby’s Institute of Art de la capital británica entre los días 13 y 15 de Julio de 2017. Marta Pérez Ibáñez, profesora de mercado del arte en la Universidad Nebrija, miembro de TIAMSA y del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea de la Universidad Nebrija, ha aportado en su ponencia el punto de vista sobre el mercado español, a partir del estudio sobre La Actividad Económica de los/las Artistas en España del que la profesora Pérez Ibáñez es autora junto con Isidro López-Aparicio, de la Universidad de Granada. La presentación se ha centrado en la precariedad de nuestros artistas y los nuevos canales de difusión y de entrada en el mercado, así como en algunos detalles relevantes del citado estudio, en la actividad de los artistas independientes y en las ferias que proliferan en nuestro país y que abastecen a este grupo de artistas. El debate posterior mostró el interés del público asistente por la situación actual de nuestro mercado.

Bajo el título de The Art Fair, este primer congreso de la asociación ha tocado aspectos relevantes en la investigación sobre las ferias de arte, desde su componente histórico, los orígenes de las ferias en los Países Bajos en el siglo XVI, las grandes bienales como la de Venecia, la gran eclosión de ferias en mercados emergentes como el chino, o ferias alternativas en mercados tradicionales. Grandes profesionales como Olav Velthuis, Noah Horowitz, Sophie Raux, Jonathan Woolfson, Filip Vermeylen, Susanna Avery-Quash y muchos otros investigadores de todo el mundo han aportado datos de relevancia y debates abiertos sobre la dimensión de las ferias de arte en el desarrollo actual del mercado, sobre la adecuación de estos puntos de encuentro a las actuales circunstancias económicas, y su influencia en el nacimiento de tendencias artísticas. También la confluencia de ARCO Madrid y ARCO Lisboa ha sido tratada en profundidad en este congreso, en la ponencia de la profesora Adelaide Duarte, investigadora de la Universidade Nova de Lisboa.

Alba Soto paticipa en el 1er Congreso de Arte de Acción en la UCM, con la ponencia «Herramientas de entrenamiento escénico para las Bellas Artes»

Accion Spring(t) se celebra los días 4 y 5 de Mayo, dos jornadas en las que se reúne a artistas, investigadores, profesores universitarios nacionales e internacionales de reconocido prestigio, así como a jóvenes artistas e investigadores, para crear un debate en torno al arte de acción y su relación con el mundo académico y profesional. En estas dos intensas jornadas tienen lugar actividades que aúnan la práctica y el pensamiento en la cuales convive la labor investigadora de doctorandos y doctorados que actualmente están trabajando sobre el tema, con las trayectorias ya consolidadas de artistas y docentes.

Este congreso es un punto de encuentro para compartir, idear y pensar en torno a la necesidad y el interés del arte de acción dentro de la facultad de Bellas Artes. Sin embargo, el campo de trabajo del arte de acción tiene múltiples implicaciones en la situación del arte actual dentro y fuera de la Universidad, y en ese sentido son amplios los puntos de vista más allá de las necesidades en el contexto de la Universidad, y en particular de la Facultad de Bellas Artes. Por ello  Acción Spring(t) reúne un amplio espectro de formas de pensar el lugar del cuerpo presente en el arte contemporáneo, diferentes metodologías de creación de la imagen desde la experiencia performática o propuestas de creación colectiva. La convivencia con la acción y su carácter multidireccional, convierten a la performance en objeto de estudio desde las bellas artes, pero también desde el teatro, la danza, la literatura o la música, y todos ellos tienen su espacio en este congreso.

Se llevan a cabo 4 mesas de debate se abordan los temas de “El arte de acción en la Facultad de Bellas Artes”; “Las Prácticas de la performance en la actualidad”, las Creaciones colectivas” y “La performance en los museos, instituciones y centros de creación”. Estas mesas se intercalan con otros cuatro bloques de Acciones que tienen lugar en diferentes espacios de la Facultad y muestran las múltiples formas de abordar la performance.

Acción Spring(t) es una carrera acelerada que nos revela la situación actual del arte de acción. Es un proyecto que trata de establecer las bases necesarias para la integración de los estudios y las prácticas del arte de acción y la performance en el seno de la Universidad y en concreto de los estudios de Bella Artes. Queremos que sea el comienzo de un encuentro de práctica y pensamiento que cada primavera se repita y que sirva para tender lazos interuniversitarios, que nos ayuden a responder a nuestra cuestión fundamental: ¿cuál es el lugar de la performance en las Facultades de Bellas Artes?

https://accionspringt.wordpress.com/

Diálogo en torno a pedagogías afectivas, nuevos materialismos y feminismos. Beatriz Revelles-Benavente presenta el libro Teaching Gender

Recientemente ha salido a la venta el libro Teaching Gender: Feminist pedagogy and responsibility in Times of Crisis, publicado por Routledge y co-editado por las Dras. Beatriz Revelles-Benavente (actualmente investigadora Juan de la Cierva en la Universidad de Barcelona) y Ana M. González Ramos (investigadora senior en la Universitat Oberta de Cataluña).

Beatriz Revelles durante la presentación del libro Teaching Gender en la Universidad Antonio de Nebrija

 

En un formato de diálogo muy enriquecedor, Beatriz Revelles-Benavente nos ha presentado las claves de esta publicación y hemos podido intercambiar impresiones sobre las nuevas prácticas pedagógicas que los nuevos materialismos ofrecen actualmente en el ámbito de la docencia e investigación académica. Entre las posibilidades cabe señalar la emergencia de nuevas metodologías de aproximación a los procesos, los «pequeños» fenómenos, los contextos y por encima de todo las relaciones; algo que Revelles-Benavente afirma explorar a través de la metodología difractiva y la pedagogía afectiva. Entre las limitaciones se ha señalado el marco neoliberal que domina actualmente buena parte de la academia, pero también las dificultades de la puesta en práctica y obtención de financiación a la hora de desarrollar estructuras que transgreden el orden jerárquico establecido (como la del maestro-alumno). Las asistentes a la charla han tenido la oportunidad de intercambiar con Beatriz sus puntos de vista respecto al concepto de objetividad científica.

El libro, un compendio de diferentes estrategias de política feminista, ofrece una mirada interdisciplinar (algo totalmente imprescindible) sobre actos pedagógicos «respond-able» (Haraway, 2008), e incide en la necesidad de fortalecer la conexión entre generación de conocimiento y sociedad. «Slow Science», sujetos knowmadas o prácticas cooperativas dentro y fuera de la clase constituyen algunas de las propuestas de acción que este volumen presenta.

Desde la línea 2 de investigación de este grupo queremos felicitar esta publicación y agradecer especialmente la visita y enriquecimiento que ha supuesto esta intra-acción.

 

 

Presentación del libro ‘La Actividad Económica de los/las Artistas en España’ de la Fundación Antonio de Nebrija

La Fundación Antonio de Nebrija, en colaboración con la Universidad de Granada, han presentado el pasado 17 de Febrero en el Campus de Madrid-Princesa, el libro La Actividad Económica de los/las Artistas en España de los profesores Marta Pérez Ibáñez e Isidro López-Aparicio.

La necesidad de conocer cuál es la realidad de este sector ha llevado a los profesores Marta Pérez Ibáñez, de la Universidad Nebrija y miembro del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea, e Isidro López-Aparicio, de la Universidad de Granada, a desarrollar durante más de dos años una detallada investigación que permite profundizar en los aspectos más destacables de la economía de los artistas españoles y de su relación con el mercado, y específicamente de cómo han evolucionado dichas relaciones desde el inicio de la crisis de 2008. Se trata de un estudio crucial como punto de partida para conocer el presente y aventurar el futuro del artista dentro del contexto del sistema del arte en España. En él han participado más de 1.100 artistas españoles, convirtiéndose así en una importante fuente primaria de investigación que ofrece datos precisos sobre este sector.

Entre los datos más significativos, el estudio muestra que casi el 50% de los artistas encuestados declara percibir ingresos por debajo del salario mínimo interprofesional, y menos del 15% manifiesta que puede vivir solo del arte. Además, solo el 32% de los encuestados dice mantener relaciones estables con galerías y únicamente el 3% considera que son satisfactorias y su única fuente de ingresos.

Por otro lado, este trabajo permite identificar un perfil de artista joven, abierto a las nuevas tecnologías, con una forma de relacionarse con el mercado muy diferente a sus predecesores. Además, aporta datos en cuestiones de género, la trayectoria formativa de los artistas, el grado de precariedad de su economía, el grado de desempleo, etc. A partir de este estudio, la investigación continuará en diferentes ámbitos, y se ampliará en publicaciones posteriores sobre aspectos más pormenorizados de la actividad de nuestros artistas.

La situación de los artistas en España, a debate en la Fundación Sandretto Re Rebaudengo

Un avance del Estudio sobre la Situación Económica de los/las Artistas en España se ha presentado el pasado sábado 5 de Noviembre en la Fundación Sandretto Re Rebaudengo de Turín. Dentro del programa de debates planteado en el marco de PIIGS, An Alternative Geography of Curating, la profesora de la Universidad Nebrija Marta Pérez Ibáñez , miembro del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea de la Universidad Nebrija, fue invitada a presentar algunos detalles de este amplio proyecto de investigación interuniversitario, del que es coautora junto al profesor Isidro López-Aparicio de la Universidad de Granada. El programa PIIGS, que ha planteado cinco propuestas curatoriales sobre la actual situación del sector de la creación en los cinco países europeos denominados bajo estas siglas, Portugal, Italia, Irlanda, España y Grecia, puso el énfasis en la necesidad de conocer tanto las dificultades por las que atraviesa el colectivo de los creadores en estos países, así como el nuevo perfil de artista que se abre camino en un sector que está dejando notar una evolución constante y profunda. Por ello, el avance de los resultados que el Estudio sobre la Situación Económica de los/las Artistas en España empieza a arrojar resultó muy esclarecedor, ya que posibilitó no sólo un debate abierto con artistas y comisarios internacionales, sino una interesante comparación con la situación de los artistas en otros países europeos y con las dificultades y oportunidades que están encontrando en los últimos años en el desempeño de sus carreras.

El equipo curatorial español, compuesto por Ione Alaitz, Carles Saurí, Sofía Fernández, Álvaro Giménez y Alejandro Castañeda, presentó un proyecto titulado “Check the condition. A real-time archive on the emergent curatorial open calls in Spain”, en el que se ponía de manifiesto que la precariedad que afecta a los artistas llega también al sector comisarial. Así, el debate se enriqueció con el diálogo sobre la lucha de jóvenes artistas y jóvenes comisarios por abrirse camino en el panorama actual. El avance de resultados que, coincidiendo con la Semana del Arte en Turín, presentó la profesora Pérez Ibáñez sobre el proyecto de investigación sobre la economía de los artistas en España, que será publicado en breve, sirvió de marco de fondo para dicho debate, y aportó la necesaria internacionalización a tan profundo análisis de nuestra situación actual, en el marco de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo.

Nebrija participa en un estudio sobre la actividad económica de los/las artistas en España

Un equipo de investigadores en mercado del arte de la Universidad Nebrija y la Universidad de Granada está trabajando en el Estudio sobre la Actividad Económica de los/las Artistas en España. Se trata de un proyecto de investigación interuniversitario que pretende analizar la actual situación económica de los/las artistas plásticos y visuales de nuestro país.

Marta Pérez Ibáñez, profesora del Máster en Mercado del Arte de la Universidad Nebrija y miembro del grupo de investigación Estudios Transversales en Creación Contemporánea, participa en este estudio. El trabajo parte de la difícil situación actual por la que los distintos actores del mercado y del sistema del arte están pasando, de la precariedad del trabajo del artista y de su necesidad de adaptarse a las nuevas condiciones que plantea el mercado en esta situación de crisis. Los cambios se aprecian de forma evidente, no sólo en los ingresos por la actividad artística, sino en todas las relaciones que el artista establece con galeristas, comisarios, instituciones, coleccionistas. Además, está surgiendo un perfil de artista joven, muy abierto a las nuevas tecnologías, cuya forma de relacionarse con el mercado en estos últimos años es muy diferente. Por ello, este estudio pretende conocer a fondo cuál es la situación del artista actualmente, cómo está sufriendo la crisis, cómo está apoyando con su trabajo las estructuras del sistema.

Para obtener la información que permita evaluar dicha situación, los investigadores han creado una encuesta anónima y abierta a todos los artistas españoles, que se mantendrá activa durante todo el verano de 2016:

https://docs.google.com/forms/d/13LTM9HRpH04K2rR0KYQyuxhlGpFsQCcg7r1ccCf5WQU/formResponse

La evaluación de los resultados que aporte esta encuesta permitirán arrojar luz sobre los problemas por los que atraviesa el artista y contribuir a mejorar la situación del artista en España como motor del sistema del arte.

 

Los retos de la investigación doctoral. Diana Angoso en el Seminario de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid

24 y 25 de mayo 2016, Salón de Actos de la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid.

Intervienen: Prof. Estrella de Diego, Dr. Manuel Viera, Prof. Carmen Bernárdez, Prof. Javier Arnaldo y Dra. Diana Angoso el día 24 .

Los próximos días 24 y 25 de mayo tendrán lugar unas jornadas dedicadas a la investigación en el seminario de doctorado de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. En dichas sesiones invitan a los doctores que han defendido las mejores tesis para participar junto a sus directores en una exposición y coloquio sobre los retos de la investigación doctoral.

Diana Angoso participará con una presentación sobre su tesis doctoral “El oro: Sustancia y significado. Usos del material áurico en las prácticas artísticas contemporáneas (1953-2013)” [24.05.2016 a las 18:00]

2016 PROGRAMA DEFINITIVO jpg

Juguetes y juegos de Lina Bo Bardi en Medialab Prado

13-25 May 2016, Medialab Prado.

With speakers: Juan Bordes, Sara San Gregorio, Virginia Navarro and Mara Sánchez.

Desde el próximo jueves 19.05 hasta el sábado 21.05 se desarrollarán unas jornadas sobre diseño, fabricación y experimentación de juegos y juguetes de construcción. Conferencias, dinámicas de experimentación con juguetes creados bajo licencias libres, debates y talleres familiares, intercambiaremos experiencias lúdicas y educativas con público infantil, educadores, diseñadores, psicólogos y con cualquier persona interesada en asistir y participar.

Mara Sánchez Llorens participará con la conferencia «Juguetes y juegos de Lina Bo Bardi » (19.05.2016  a las 13:00 horas)

CARTELGRANDE

 

From Cosmos to Genes: New Materialist Methodologies Crossing the Humanities, Natural, and Technosciences

Training School ‘From Cosmos to Genes: New Materialist Methodologies Crossing the Humanities, Natural, and Technosciences.’ 

23-26 August 2016, Charles University Prague.

With speakers: Natasha Myers, Astrid Schrader and Eva Hayward

New_Materialisms_COST

With significant movements in human populations, the emerging impacts of climate change, ecological, political, and economic changes and instabilities through to technological and scientific advances, there is an urgent need to reconsider the shifting dynamics influencing critical inquiry. The question arises of how we might best approach the crises and challenges that shape the contemporary European landscape. How do they take the focus of, and impact upon, our research and development agendas?

Still an emerging field of analysis, new materialism has had a swift and significant influence within European intellectual production. Specifically, in its way of rethinking the priority of the human in inquiry and social and political change, new materialism offers tools for examining the agency of nonhuman matter in intra-action with human practices. It gives us room to consider the complex apparatuses and relations that motivate, constitute, and are enacted through our research practices. In doing so, it draws attention to the necessarily interdisciplinary nature of contemporary investigations, research and development as well as our role within these.

In this vein, the Working Group 2, ‘New Materialisms on the Crossroads of the Human and Natural Sciences’, of the COST IS1307 Action, ‘New Materialism: Networking European Scholarship on “How Matter Comes to Matter”’, invites graduate students, postdoctoral, and early career researchers whose work corresponds with, or who have an interest in the potential for new materialisms to inform their inquiries, to the upcoming training school ‘From Cosmos to Genes: New Materialist Methodologies Crossing the Humanities, Natural, and Technosciences.’

The training school will take place over three and a half days, with sessions conducted by a cast of international researchers whose work focuses in new materialist theories and methodologies, or whose specialization within the humanities through to STEM fields brings interdisciplinary queries and provocations to the fore.

 

 

Arte, ciencia y tecnología: ¿la nueva política económica?

08.12.2015 –

Durante un coloquio entre destacados especialistas europeos sobre arte, ciencia y tecnología organizado recientemente en LABoral (Gijón) con motivo de la inauguración de la exposición “Materia prima” comisariada por él mismo, Gerfried Stocker -director de Ars Electronica– comentó que los artistas new media podían convertirse de alguna manera en los nuevos “McKinsey boys” del siglo XXI para las grandes empresas.

 

Con tan sorprendente idea -al menos para un debate sobre creación artística- Stocker intentaba simplemente reflejar la realidad que en su organización -una de las instituciones de más prestigio en el mundo en el campo del arte y la tecnologia- está viviendo en los últimos años: la constatación de que en el ámbito de las grandes corporaciones existe una demanda creciente de nuevas formas creativas de pensar, abordar proyectos y solucionar problemas para adaptarse al exigente escenario de la economía y la sociedad de la era digital.

Gerfried Stocker intervencion en LABoral

 

Una demanda que puede ser satisfecha mucho mejor por los artistas familiarizados con los nuevos medios digitales que por los tradicionales consultores de estrategia empresarial con sus hojas de cálculo y sus matrices. No era, por lo demás, un brindis al sol al calor del debate, sino una realidad confirmada: Ars Electronica, a través de su centro de experimentación Futurelab, trabaja en estos momentos para algunas de las más importantes firmas de la poderosa industria alemana.

Es un terreno ciertamente resbaladizo. Si hablamos de arte, su misión esencial no puede ser otra que la de crear nuevo conocimiento y experiencias sobre el mundo que nos rodea desde una sensibilidad que no es evidente para el conjunto de la sociedad. El artista se hace preguntas distintas a las de los técnicos; y da respuestas radicalmente diferentes. Siempre desde la independencia de su inspiración creativa y su capacidad para detectar anticipadamente las vibraciones ocultas que inquietan al ser humano y anuncian el cambio social.

Esa capacidad exploratoria del arte se ha demostrado de una utilidad especial a partir de la revolución tecnológica iniciada en el siglo anterior. Ya hace varias décadas desde que lo señalara Marshall McLuhan: “El artista capta el mensaje del desafío cultural y tecnológico varias décadas antes de que llegue su impacto transformador”. En un mundo abrumado por el poder omnímodo de la ciencia y la tecnología, el arte se reivindica como un mecanismo de autodefensa social para entender, discutir y contraprogramar (hackear) ese poder. Al menos para ayudarnos a que nos hagamos a tiempo como sociedad las preguntas oportunas.

En principio, eso no debería ser obstáculo -como de hecho no lo ha sido- para que numerosos artistas hayan demostrado un inspirador interés por el conocimiento y la apropiación de las nuevas tecnologías. Esa atención se ha convertido en muchos casos en una fructífera labor de investigación y desarrollo sobre las tecnologías empleadas para sus creaciones. Hace pocos días, durante la presentación en el Centro de Arte y Tecnología Etopia de su obra “Pop Connection” -desarrollada durante una residencia conjunta con la coreógrafa francesa Sylvie Balestra-, el artista e ingeniero donostiarra Jaime de los Ríos afirmaba con rotundidad que la tecnología empleada por los artistas del new media -del que él es un referente en España- es, gracias al trabajo de I+D de los creadores, mucho más avanzada que la que posteriormente se comercializa por las empresas.

En el caso de la ciencia, se produce igualmente una enorme atracción de los artistas hacia las nuevas fronteras de la investigación científica, desde la astrofísica hasta la biología. Y en un momento en que la ciencia avanza de forma imparable a través de la genética, la neurociencia y otras disciplinas hacia una capacidad nunca antes obtenida para cambiar las características del ser humano como lo hemos conocido hasta ahora, parecería especialmente adecuado apoyar que los artistas estén al tanto de lo que ocurre en esos laboratorios antes de que sea tarde.

Por otro lado, la separación entre ciencia y arte como formas distintas de obtención de conocimiento no dejar de ser históricamente reciente. Quizás sea el momento de pensar en una nueva convergencia, llamémosla tercera cultura o de cualquier otra forma. Porque está claro que los desafíos que afronta hoy el mundo respecto a los cambios que la ciencia y la tecnología están produciendo en nuestras vidas (naturaleza, economía, vida social, identidad personal) no parece que puedan ser abordados debidamente por un único grupo de expertos.

Arte como nueva forma de conocimiento; arte como un nuevo stakeholder ciudadano del I+D; arte como fuente inagotable de inspiración para formas diferentes de pensar. Y arte también como un sustrato imprescindible para crear ecosistemas culturales de innovación que pudieran ayudar a desarrollar economías capaces de generar riqueza y oportunidades para el conjunto de la sociedad.

Incluso se podría hablar de un verdadero nuevo sector productivo en la confluencia de la tecnología, la innovación, la creatividad y el diseño, tal como lo describió ya hace más de una década William J. Mitchell en el informe que realizó para la Academia de Ciencias de Estados Unidos y cuyo título hablaba por sí solo: Beyond productivity (Más allá de la productividad)

En todo caso, no son pocos los ejemplos en la historia donde la expansión cultural y artística precede a la potencia económica. El comisario y periodista cultural José Luis de Vicente lo explica de forma documentada y convincente a propósito del hilo conductor entre la revolución contracultural de los cincuenta y sesenta del siglo XX en Estados Unidos y el posterior desarrollo de Silicon Valley como epicentro hegemónico mundial de la nueva industria tecnológica. La creatividad abre el camino a la innovación.

Por tentador que resulte, no hay que hacerse ilusiones: nadie nos hablará en estos tiempos electorales del papel potencial de la cultura y del arte como el catalizador que España lleva buscando tanto tiempo para convertirse en una economía innovadora y poder escapar así a ese destino al parecer inevitable de ser para siempre un país de camareros y de universitarios expatriados.

Entre tanto, quizás sería conveniente continuar la discusión. Porque, como el propio Gerfried Stocker se plantea, si hoy es imprescindible entender de manera diferente el papel del artista y las instituciones culturales, así como su relación con el público, en este tiempo de convergencia de arte, ciencia y tecnología, “¿cómo se puede cambiar esto sin poner en riesgo la independencia y la integridad del proceso artístico?”.

Para prolongar y extender la conversación, un grupo de instituciones culturales y de promoción de la cultura de la ciencia y la tecnología -entre las que se encuentran la Fundación Zaragoza Ciudad del Conocimiento y el Centro de Arte y Tecnología Etopia- han creado la Red Europea de Arte Digital y Ciencia, con el apoyo del programa Europa Creativa de la UE y la colaboración de instituciones científicas tan relevantes como el CERN y el European Southern Observatory.